Abstraccionismo

El arte abstracto es el estilo artístico que surge alrededor de 1910 y cuyas consecuencias han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX. El arte abstracto no necesita justificar la representación de las figuras sino que tiende a utilizar un lenguaje visual propio con unos significados variados.

En sus inicios, el arte abstracto dio lugar a grandes polémicas y discrepancias. De hecho, ya en tiempos de la Prehistoria se utilizaron la estilización y el geometrismo. Pero con el paso del tiempo se ha convertido en una fuente inagotable de ideas para los artistas de nuestro siglo y nadie se atreve ahora a poner en duda su existencia e identidad como un arte propio. El lenguaje que se utiliza está basado en las experiencias fauvistas y sensaciones del autor, exaltando normalmente la fuerza del color. También existe la expresión con estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas.

La tradición abstracta conoció un importante renacer en Estados Unidos a partir de finales de los años cuarenta con el Action Painting y con el Colour-Field Painting. Estas tendencias fueron suplantadas a partir de 1960 por la aparición del arte minimalista que inició un nuevo periodo de interés por la geometría y la estructura, periodo de interés por la abstracción, que siguen adoptando numerosos artistas inspirados por las más variadas motivaciones.

Se distinguen dos tipos de abstracción:

La abstracción lírica o cromática.

Es la que se utiliza la función expresiva y simbólica de los colores y del ritmo producido por la relación entre ellos para manifestar los procesos emocionales mediante la pintura, cuyo máximo representante es Kandinsky. A esta forma de abstracción tambien se la denomina cromática teniendo como representantes más destacados a Kandinsky y Delaunay.

La abstracción geométrica

Esta, por el contrario, utiliza la simplificación y el rigor matemático de las formas y los colores en un ritmo estricto y una ordenación calculada. Sus máximos representantes son Malevich y Mondrian. Un claro ejemplo es la obra de Mondrian.

Características del arte abstracto

Se aleja de la mímesis de la apariencia externa. La obra de arte abstracta existe independientemente de la realidad.

El grado de abstracción puede ser parcial o absoluto. En el arte abstracto puro no existen rastros reconocibles figurativos, mientras que la abstracción parcial conserva partes del referente a la vez modifica otras.

Énfasis en la propia expresividad de los elementos esenciales del arte y su organización.

También los materiales y procedimientos adquieren significado más allá de su aspecto técnico.

El título de las obras puede ser explicativo y ayudar a transmitir un mensaje.

El abstraccionismo renuncia a reproducir en el arte imágenes típicas de personas y acontecimientos reales, el medio que circunda al hombre; hace imposible expresar a través de la obra artística el sentido y los fines de la vida del hombre. Sustituye la plasmación de la belleza y del dramatismo de la realidad, inherentes al auténtico arte, por la expresión de cierta "realidad espiritual" mística, de una "energía intuitiva", de alguna "vibración" del subconsciente humano.

Lo característico del abstraccionismo es la total destrucción de la imagen artística por medio de la distorsión extrema de las formas reales, la mudanza de las imágenes en un caos de manchas, líneas, puntos, planos y volúmenes sin significación alguna.

Principales representantes

Homenaje a Blériot

Robert Delaunay

Formas circulares

Piet Mondrian

Composición

El árbol rojo

Wassily Kandinsky

Amarillo, Rojo y Azul

Composición Ocho

Crítica

En este movimiento podemos apreciar el talento del artista por la originalidad de sus obras por medio de la  representación de los objetos  así como de los colores  que no son específicos.  Por medio de este arte los artistas emiten sus más profundas emociones. Es importante reconocer el valor de esta vanguardia al  mostrar su rechazo a lo típico y a la reproducción de imágenes  a los que se estaba acostumbrado a observar.  Por medio de las formas extremas y caos de líneas y colores desafían al público a desarrollar su nivel de interpretación.

Surrealismo

El arte surrealista es un movimiento artístico que  surgido en  Francia a partir del dadaísmo, en la década de 1920, se desarrolla como una manera de poder olvidar la realidad  y encontrar alguna forma de que el artista se encierre en sí mismo, un impulso psíquico  de lo imaginario y lo irracional. Surgió como parte del avance de las vanguardias artísticas que querían  representar ideales diferentes a los academicistas, rompiendo las leyes de la pintura tradicional y con un fin de  llamar la atención del espectador de manera directa, con imágenes no realistas y en muchos casos ni siquiera figurativas. El arte surrealista empezó con La interpretación de los sueños de Freud en 1901. Las ideas de Freud al principio no eran bien consideradas pero poco a poco sus ideas fueron calando en el imaginario filosófico y artístico del momento y los artistas del momento impregnados de sus teorías, empezaron a describir, a dibujar, a pintar o a moldear ese mundo fuera del ámbito de la conciencia.

                                              Características

La fuente desde la que brotaba su arte era el inconsciente. Para estimularlo se valían de diversas técnicas; una de las principales fue el automatismo, que se utilizaba tanto en pintura como en literatura y que consistía en escribir o pintar sin parar y, sobre todo, sin razonar. Otras técnicas muy conocidas fueron el “cadáver exquisito”, los caligramas y el collage.

Expresaban lo que les surgía sin ningún tipo de presión por parte de la mente. Decían que las figuras o símbolos que obtenían, al no estar condicionados por el razonamiento, reflejaban la verdadera esencia del ser humano.

Despreocupación por los valores morales y estéticos. El Surrealismo niega la moral tradicional, particularmente en lo que atañe a lo sexual, y concede nuevas posibilidades a los conceptos de belleza y fealdad. Lo absurdo, lo grotesco, lo onírico, lo inesperado guardan una belleza particular que se manifiesta a través del azar.

Confiaban en que el azar, los sueños, la asociación libre podían revelar un arte genuino, bello y estético.

El Surrealismo pretendió ser, más que un movimiento artístico, todo un modelo de libertad.

Principales representantes

Max Ernst

El elefante

Sumergido en agua

Joan Miró

El oro del azur

Paisaje Catalán 

Salvador Dalí 

La persistencia de la memoria

Naturaleza muerta viva

Crítica

El surrealismo es una vanguardia que facilita el desarrollo de la creatividad, puesto que cualquier impulso personal basta para dejar fluir lo que se plasmará en el lienzo.  El surrealismo es un resultado del inconsciente llevado a la realidad, siempre buscando como finalidad el ser un modelo de libertad.

Dadaísmo

Es un movimiento artístico que tuvo origen en el año de 1916 en Zurich Suiza, gracias a la propuesta hecha por Hugo Ball como alternativa para las personas que querían expresarse libremente en una época donde la libertad estaba restringida, a causa de las guerras que se dieron en esa era, además de eso el dadaísmo se opuso a las convenciones artísticas, burlándose de los artistas de origen burgués y de su arte. Los dadaístas niegan el Arte mismo, la artesanía o el quehacer artístico. Esta actitud permite nuevos medios expresivos: fotomontaje, collage, pintoescultura matérica (Kurt Schwitters) y ready-mades (objetos de uso común a los que una mínima intervención del artista convierte en obra de arte).Dentro del Dadaísmo podemos encontrar tres direcciones: la crítica del arte, de la cultura y de la vida burguesa; la negación de la experiencia y la racionalidad en la elaboración de una obra de arte, tendencia que conducirá al Surrealismo, y la crítica política, la militancia anticapitalista y antifascista, supuesto que se hace evidente en el grupo Dadá de Berlín.

Características

Una de las principales características del movimiento dadaísta fue la crítica social. Los dadaístas eran inherentemente políticos en sus motivaciones. Ellos rechazaron la concepción modernista de la autonomía del arte. El arte en sus diversas formas -el teatro, las artes visuales, la literatura y la música- debían presentar perspectivas críticas para criticar a la sociedad. Los dadaístas vieron la Primera Guerra Mundial como una consecuencia lógica de la cultura y civilización burguesas y su énfasis en el racionalismo y el nacionalismo. El punto de partida para el dadaísmo fue el rechazo de todos los “ismos”, así como de todas las normas culturales, leyes y valores.  El dadaísmo utilizó varios tipos de materiales prefabricados, tales como fotografías, pinturas y objetos producidos en masa en sus obras de arte. Los dadaístas usaron el shock como un medio para desafiar la sensibilidad y complacencia del público en el mundo contemporáneo. Además de desafiar las reglas del arte, la intención del dadaísmo era utilizar el arte para alentar al público a pensar críticamente sobre todas las reglas.

Luego de la creación del movimiento dadá en Zúrich, se fue expandiendo alrededor del mundo, una de las ciudades que lo acogió fue New York, se introdujo gracias a una serie de artistas provenientes de Europa que trajeron consigo este  arte.

Máximos representantes

Entre los más importantes artistas dadaístas destacaron el franco-rumano Tristan Tzara, impulsor de este movimiento artístico; el rumano Marcel Janco, el francoalemán Hans (o Jean) Arp, el francés Marcel Duchamp; los alemanes Hugo Ball -primer fundador de este movimiento 'antiarte'-, Richard Hülsenbeck, Hans Richter y Kurt Schwitters; así como los estadounidenses Man Ray, Beatrice Wood y Morton Schamberg.

Marcel Duchamp

La Fuente

Desnuda descendiendo una escalera

Kurt Schwitters

El cuadro de las cerezas

Cuadro con centro de luz

Man Ray

Lagrimas

Shakespearean equation: twelfth night

Morton Schamberg

Telefono

Figura

Crítica

En este movimiento es importante valorar  la libertad artística que desarrolló en este periodo, la cual rompió con el esquema artístico de la época. A pesar de la lucha contra una sociedad conservadora que no veía con buenos ojos este movimiento, se logró establecer un camino hacia libre expresión artística. 

Futurismo

El Futurismo fue un  movimiento de vanguardia que se desarrolló a principios del siglo XX, concretamente en 1909 a partir de la publicación del “Manifiesto Fundador del Futurismo” de Filippo Tommasso Marinetti. El nuevo “ismo” que se inició en el arte de la literatura, estaba inspirado en los grandes cambios que la 2ª Revolución Industrial había introducido en Europa, inspirado en las máquinas y la tecnología y por tanto buscaba plasmar la esencia del movimiento en las formas, la agresividad, la velocidad, la fuerza, el peligro y la energía. Se desarrolló principalmente en Italia, siendo Marinetti su creador y precursor, pero caló en otros muchos países y como todas las primeras vanguardias del siglo XX, sirvió de influencia a movimientos posteriores y coetáneos, como el expresionismo abstracto o el neopositivismo. Rusia fue uno de los países donde mayor calado tuvo

La pintura futurista puede definirse como un “cubismo dinámico”. Su intención es representar, con el solo recurso del color, el efecto del dinamismo que produce un único objeto en movimiento. Para ello, se acude a multiplicar las posiciones de un cuerpo, de la misma forma en que lo hacía el cine de los primeros tiempos.

Los futuristas quisieron ensalzar los valores de la guerra y de la agresividad, de la valentía y la fuerza masculina, apelando a las transformaciones tecnológicas que habían creado un nuevo mundo dominado por las máquinas, objeto de alabanza según la ideología futurista. El futuro suponía pues erradicar el pasado, de ahí que se preconice la destrucción de museos, bibliotecas y academias. El universo futurista es un universo dominado por la industria, la tecnología, la guerra y el militarismo, de ahí que comparta nexos de unión con la ideología fascista, aunque no siempre.

Características

 - Exalta la modernidad y siempre busca que los artistas se liberen totalmente del pasado.

- Interés por lo oculto. Los futuristas siempre buscan ofrecer una realidad al público mucho más primitivo y a la vez oculto.

- Admiración por las máquinas. Una de las cosas que más adoraban los futuristas eran las máquinas.

-Dinamismo universal. Una de las creencias de los futuristas es hacia el dinamismo universal, lo cual era la base del desarrollo y el principio artístico de la persona.

- Uso de ilusiones ópticas. El cine en el feudalismo empleaba mucho las ilusiones ópticas, lo cual llegó a influir en los demás movimientos de vanguardia.

- Es un movimiento simbolista. Siempre se buscaba representar en las obras el movimiento, la fuerza, la agresividad y la violencia.

- El uso de pinceladas. Durante el futurismo las obras eran pintadas con pinceladas alargadas. A través de estas se daba a conocer el estado de ánimo en que se encontraba el artista, donde como medio se fugaba con estas líneas alargadas y con los espacios vacíos, siendo los espacios vacíos la forma para mostrar el desánimo.  

- Tuvo gran influencia del Art Decó. Este tipo de arte influyó mucho en la arquitectura, donde se caracterizaba por el racionalismo de las edificaciones y por el uso del espacio. Aquí se hacía uso de materiales no convencionales como es el caso del plástico.

 - En el campo del diseño gráfico el futurismo se caracterizó por la notoria transformación que tuvo la tipografía tradicional, así como la forma de presentar los textos, los cuales pasaron a ser diseños dinámicos con dibujos que resaltan los valores futuristas. Los textos eran ubicados en posición diagonal mostrando sus contrastes de tamaños.

Maximos Representantes:

UMBERTO BOCCIONI
DINAMISMO DE UN CICLISTA 1913

UMBERTO BOCCIONI
MATERIA 1912

CARLOS CARRA
FESTEJO PATRIOTICO 1914

CARLOS CARRA
EL CABALLO ROJO 1913

LUIGI RUSSOLO
LA REVUELTA 1911

LUIGI RUSSOLO
DINAMISMO DE UN AUTOMOVIL 1913

GIACOMO BALLA
VELOCIDAD ABSTRACTA  1914

GIACOMO BALLA
SOLIDEZ DE LA NIEBLA

Crítica:

Esta vanguardia que nació en un momento crítico fue un medio por el cual se dio a conocer una nueva forma de representar la realidad, inspirada en el contexto industrial del momento busca transmitir agresividad y fuerza. El futurismo es una vanguardia  de innovación que impactó en el mundo político de la época, el arte fue el medio por el cual los artistas futuristas lograron transmitir sus ideales.

Expresionismo Abstracto

Surgió tras la II Guerra Mundial y el Holocausto, un periodo de incertidumbre y estupor que, en lo artístico, dio lugar a formas de creación desgarradas y llenas de contradicciones que parecieron dejar a un lado el goce estético. Para Kermode suponen “variaciones de lo apocalíptico” y deben afrontar el problema del vacío derivado de una gran falta de imágenes de referencia tras desterrarse antiguos héroes y narraciones y desvirtuarse los propósitos transformadores de las vanguardias previas a la guerra.

Estados Unidos, y sobre todo Nueva York, dominaron el panorama artístico dada la persecución de la creatividad experimental en los estados totalitarios europeos y al establecimiento allí de muchos artistas procedentes del continente (Mondrian, Ernst, Chagall…).

Origen 

El expresionismo abstracto surge en EE. UU. A principios de los años cuarenta y adquiere su máximo desarrollo a comienzos de los años cincuenta. La formación de este movimiento se debe en buena medida a los surrealistas. Al comienzo de la segunda guerra mundial, la casi totalidad del movimiento surrealista (surrealismo) se exilio en Nueva York. Entre los exiliados estaban algunos de los pintores surrealistas más importantes: Max Ernst, Roberto Matta, Salvador Dalí y André Masson. Estos pintores tuvieron como sede de sus actividades artísticas la galería neoyorkina “Art of This Century”

Emerge así la vigorosa escuela de Nueva York, caracterizada por una pintura “subjetiva” de gran libertad expresiva, que si bien al principio contiene elementos figurativos (fase mítica), acabará por prescindir totalmente de ellos (fase gestual). El término de “expresionismo abstracto” se debe al crítico de arte del “The New Yorker”, Robert Coates. Pero debido a las distintas concepciones expresivo-plásticas que conforman este movimiento, en el año 1952, el crítico Harold Rosenberg utiliza el término de “action painting” (pintura de acción) para definir mejor el enfoque común de la mayoría estos artistas: la importancia dada al proceso o acto de pintar por encima del contenido.

Otras denominaciones que también recibe este movimiento son las de “abstracción pictórica” (painterly-abstract) y la de “nueva pintura americana” (new american painting), ambas debidas al crítico Clement Greenberg.

Características

·         Ausencia de toda relación con lo objetivo.

·         Rechazo de todo convencionalismo estético.

·         Expresión libre y subjetiva del inconsciente.

·         Ejecución totalmente expontánea.

·         Valoración de lo accidental y explotación del azar como recurso operativo.

·         Intensidad de propósito: lo que importa es el proceso o acto de pintar más que el contenido.

·         Predominio del trazo gestual en expresiones de gran virulencia y dinamismo.

·         Empleo de manchas y líneas con ritmo.

En este movimiento es posible diferenciar dos fases: la llamada fase "mítica" o de formación del movimiento (influenciada por el surrealismo), que abarca desde principios de los cuarenta hasta después de la segunda guerra mundial, y la fase gestual, a partir de 1947 (año en el que Pollock realiza sus primeras pinturas de goteo), en la que el movimiento queda plenamente configurado.

Representantes:

El Expresionismo Abstracto se desarrolló conforme a dos tendencias: Action Painting (enérgica y gestual, sus representantes son Pollock, Kline y De Kooning) y Colour Field Painting (más puramente abstracta, reposada, mística para Rosenberg. La representa Rothko).

JACKSON POLLOCK
POSTES AZULES 1952

JACKSON POLLOCK
AUTUMN RHYTHM 1950

FRANZ KLINE
ZINC YELLOW 1950

FRANZ KLINE
BLUEBERRY EYES 1960

WILHEM DE KOONING
MUJER 1952

WILHEM KOONING
INTERCAMBIO 1955

MARK ROTHKO
WHITE CENTER 1950

MARK ROTHKO
ORANGE AND YELLOW 1956

Crítica:

     En el expresionismo podemos ver cómo el arte fue un medio de  desahogo que encontraron los artistas de esa época para el   desarrollo de una  libertad expresiva, representando en sus obras conceptos fuera de lo convencional, mediante el uso de la técnica de manchas y líneas llevadas con ritmo buscaban dar un mensaje de inconformismo a la situación política y social del momento.